Программа заботы о друзьях musicAeterna. август 2022

Дорогие Друзья,
мы рады представить вам наш первый ежеквартальный материал, созданный эксклюзивно
для Друзей musicAeterna.

Симфонические концерты

фото Александры Муравьевой

Италия и немного оперы

Этот сезон musicAeterna начнет произведениями Чайковского. В трех концертах, 2 сентября в Санкт-Петербургской Капелле, 4 сентября в Зале Зарядье, 14 октября в Ереване прозвучат симфоническая поэма «Франческа да Римини», увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» и Итальянское каприччио.

Италия и немного оперы

Чайковский питал особую любовь к Италии и вдохновлялся ее культурой. Все три произведения связаны с этой страной впечатлениями о ней, ее музыке, литературе. В центре симфонической поэмы «Франческа да Римини» и увертюры-фантазии «Ромео и Джульетта» две знаменитые истории трагической любви, описанные Данте и Шекспиром.

Любовный треугольник Франчески, Паоло и Джанчотто, так же как и история Ромео и Джульетты, долгое время занимали композитора. Он вынашивал идеи создания двух опер, но планы так и не воплотились в жизнь. Чайковский остался в рамках симфонической музыки. Однако оба этих произведения могут посоревноваться со многими оперными шедеврами в драматизме и экспрессии.

Италия и немного оперы

Оперное либретто на сюжет истории любви Франчески и Паоло было написано братом Чайковского — Модестом. Либретто позже приглянулось Рахманинову, и в 1906 году в Большом театре под руководством самого композитора прошла премьера оперы «Франческа да Римини».

Итальянское каприччио передает настроение от другой стороны итальянской культуры и жизни — народные песни, карнавал, пестрая городская жизнь. Каприччио было написано 1880 году под впечатлением от поездки Чайковского в Италию. Здесь вы услышите и звук горна из итальянской казармы, рядом с которой композитор жил в Риме, и мелодию народной неаполитанской песни.

Чайковский и Вагнер

Чайковский, как многие современники знаменитого оперного реформатора Рихарда Вагнера, не только был свидетелем премьер его опер и ходил на концерты под управлением самого маэстро (Чайковскому даже посчастливилось быть на открытии театра в Байройте), но и оставил критические отзывы о его творчестве в прессе.

Чайковский и Вагнер

В ноябре Теодор Курентзис впервые с 2015 года вернется к наследию Вагнера. Солисты и оркестр musicAeterna представят концертное исполнение оперы «Тристан и Изольда» в гастрольном туре по Германии, а также в Москве и Санкт-Петербурге. Мы подобрали любопытные выдержки из статьи Чайковского, которые рассказывают о его отношении к противоречивому гению.

Чайковский будучи в Америке на открытии концертного зала «Карнеги-холл» написал заметку для «Морнинг Джорнал» под названием «Вагнер и его музыка». Вот несколько отрывков из нее:

Чайковский и Вагнер

«…по моему глубокому и твердому убеждению, он был гением, следовавшим по ложному пути. Вагнер был великим симфонистом, но не оперным композитором. Если бы, вместо того, чтобы посвящать свою жизнь музыкальной иллюстрации в оперной форме персонажей из германской мифологии, этот необыкновенный человек писал симфонии, то мы, возможно, обладали бы шедеврами, достойными сопоставления с бессмертными творениями Бетховена».

«В Трилогии и в „Парсифале“ Вагнер не заботится о певцах. В этих прекрасных и величественных симфониях они играют роль инструментов» входящих в состав оркестра".

«Нет! Уважая высокий гений, создавший Вступление к „Лоэнгрину“ и „Полет Валькирий“, преданно склоняясь перед пророком, я не исповедую религии, которую он создал».

Всевластна смерть

Этими строками из стихотворения Рильке, которые звучат в финальном эпизоде Четырнадцатой симфонии Шостаковича, можно описать не только основную мысль этого произведения, но и все последнее десятилетие творческого пути композитора. К этому времени относятся также Струнный квартет № 13 и Семь стихотворений А. Блока, которые вы услышите в исполнении оркестра и солистов musicAeterna 26 сентября в Зале Зарядье и 29 сентября в Санкт-Петербургской Капелле

Всевластна смерть

Шостакович о Симфонии № 14:

«О смерти… следует помнить всегда для того, чтобы лучше прожить жизнь… Мы не бессмертны… Ничего утешающего, успокаивающего в моей симфонии нет. Смерть придет к каждому из нас, и мы должны быть внутренне готовы к ней… В каждом своем поступке, в каждом деле мы должны помнить, что мы смертны. И эта мысль о смерти не должна позволять нам творить гнусные дела… Эта симфония — о жизни!».

Всевластна смерть

Струнный квартет № 13 и Симфония № 14 — своего рода размышления о смерти и жизни, итог, который подводил Шостакович в первую очередь для самого себя. Слабость, болезнь, боль, и, вероятно, ощущение приближающегося конца заставляли заново смотреть назад на прожитую жизнь и принятые решения. Музыка этих лет, несмотря на свою обманчивую простоту, обладает огромной выразительностью. Интенсивность переживания, сложность мысли передаются радикально экономичными средствами. Из-за этого символическая единица музыкального языка настолько насыщена и сжата, что напряжение ощущается всем существом не только исполнителя, но и слушателя.

В своих последних произведениях Шостакович идейно близок к следующему поколению композиторов — Шнитке, Губайдулиной, Сильвестрову, Пярту, которых принято называть советскими авангардистами.

Скорбные песнопения советского авангарда

Чаще всего советский музыкальный авангард ассоциируется со сложными музыкальными техниками. Композиторы догоняли Запад с его атональными и сериальными композиторскими техниками. Не был исключением и Шнитке. Однако в начале 1970-х он неожиданно вернулся к почти традиционному стилю и сильно упростил свой музыкальный язык.

Скорбные песнопения советского авангарда

После интереса ко всему новому наступили пресыщение, усталость и разочарование. Одним из первых произведений нового стиля для Шнитке стал Концерт для смешанного хора на слова Григора Нарекаци, который musicAeterna исполнит в Ереване 16 октября. Он скроен по модели русского хорового концерта восемнадцатого века. Его музыкальный язык чрезвычайно прост и основан на традиционной гармонии и мелодических формулах знаменного распева.

Подробнее о содержании, средствах музыкальной выразительности и строении Хорового концерта вы можете узнать в нашем совместном проекте с банком ВТБ

Расписание симфонических концертов

Музыкальное измерение

фото Александры Муравьевой

В конце июня в Пушкинском музее открылась выставка «Брат Иван. Коллекции Михаила и Ивана Морозовых», посвященная одной из самых ярких коллекций модернистского искусства, собранной русскими коллекционерами и меценатами — братьями Морозовыми. Сезанн, Моне, Ренуар, Гоген, Писсарро, Врубель, Серов, Гончарова, Ларионов — взглянуть на картины всех этих художников когда-то можно было только будучи приглашенными в особняк Ивана Морозова. Теперь у нас есть возможность увидеть коллекцию в залах Пушкинского музея.

В рамках проекта «Музыкальное измерение» Теодор Курентзис, Федор Леднёв и Алексей Ретинский составили плейлисты для выставки. Формат «музыкальных маршрутов» приглашает взглянуть на уже знакомые полотна с новой стороны. Каждый плейлист — это отдельный авторский маршрут с комментариями. Так, Алексей Ретинский проведет нас от картин Врубеля через импрессионистов к Гогену и Матиссу в сопровождении музыки Скрябина, Дебюсси и фольклорных мелодий полинезийцев.

Федор Леднев предложит разгадать символистские послания Дени при помощи симфонической поэмы Франка, насладиться мимолетностью ощущения, пойманного Ренуаром, Сислеем и Моне вместе с музыкой Дебюсси и Равеля и сочностью цвета картин Матисса вместе с яркой и самобытной музыкой Стравинского.

Теодор Курентзис проведет аналогии между живописью и музыкой: от романтика Листа, через импрессиониста Дебюсси к модернисту Стравинскому. Его плейлист мы предлагаем вам послушать до визита на выставку. Плейлист и полотна, которыми вдохновлялся Теодор Курентзис, вы найдете на странице проекта «Музыкальное измерение».

Хореографическая труппа и Резиденция

Хореограф, перформер, режиссер

Ольга Цветкова

Родилась в Екатеринбурге. Училась в School for new dance development (Амстердам) и DAS theatre, Amsterdam school of art (Амстердам). Резидент Dansateliers (Роттердам). Участница международных фестивалей в Швеции, Германии, Голландии, США, России.

О музыке Антона Светличного для перформанса «Крик о тишине. Дао Дэ Цзин»:

Я работала куратором в Фонде V-A-C, занималась «охотой» за художниками из разных видов искусства, когда одновременно несколько человек, не сговариваясь, прислали мне композицию Антона Светличного. Она попала в точку. Я сидела на работе, слушала трек и понимала, что он как раз про то, о чем я думала в течение последнего года.

В музыке Антона соединяется оркестр и технобит. Для меня две эти составляющие четко олицетворяют своеобразную вертикаль и горизонталь движения к одной цели, к освобождению и единению с … потоком, миром или, если хотите, Богом. Все называют это по-разному.

Симфоническая музыка, исполняемая оркестром, всегда очень быстро вводит меня в состояние потока, связи с источником. А рейв … Знаете, несколько лет назад в Вене Богомир Дорингер сделал выставку «Dance of Urgency». В ней он рассматривал танец как протест. Показывал, что рейв — это пространство свободы выражения для людей, которые заключены в систему. Любую систему. Так что для меня оба этих музыкальных жанра про свободу, просто она достигается разными способами.

Лао Цзы, чей трактат стал основой для современного балета, тоже говорит о единстве противоположностей, о своеобразной диалектике. В моей голове все сложилось, я не раздумывая взяла эту музыку.

О работе с композиторами:

Балет «Крик о тишине. Дао Дэ Цзин» изначально создавался для клуба «Mutabor». Из-за ограниченного бюджета я не могла заказать музыку, поэтому пришлось воспользоваться уже написанными произведениями. Сейчас я стараюсь так не делать.

Когда ты заказываешь музыку, вы работаете вместе с композитором, вы как бы растите одно дерево, просто помогаете ему с разных сторон. Если приходится работать с готовой музыкой, то всегда есть большой риск, что-либо музыкальный материал, либо хореографический перетянет в свою сторону. То есть музыка может стать этаким костылем для хореографии или наоборот. Мне интереснее их диалог.

О выборе музыки и композиторов:

Когда я вернулась в Россию после учебы в Амстердаме, мне предстояло делать проект для ЦИМа. Я совершенно выпала из музыкального контекста, поэтому позвала своего друга Янниса Кириакидеса. К сожалению, мы не совпали по датам, и с этого момента у нас с ним началась своеобразная игра. В любой стране, где я работаю, он присылает мне список композиторов из пяти человек, выстраивая градацию от наиболее до наименее мне подходящего. Этот список помогает мне с выбором. Когда я попросила прислать такой список для России, первым стоял Владимир Горлинский.

С тех пор мы регулярно работаем вместе, мне нравится его детское мышление и шаманская глубина. Буквально только что я поставила на его музыку «Лебединое озеро» в Суздале. Мы с Вовой всегда работали именно как соавторы. Он даже танцевал в наших работах. Кроме Вовы я активно сотрудничаю еще с двумя композиторами, это Ангелина Рудь и Вангелино Курентзис. Мы понимаем друг друга на предельно тонком уровне, нам можно вообще не общаться, все происходит между слов.

О формате хореографических резиденций:

Единственный формат резиденций, в который я сейчас верю — длительный. Минимум три месяца, а лучше полгода. Если резиденция, как это часто бывает, всего месяц, то получается, что ты только начал привыкать к месту, адаптироваться и время заканчивается. Знаете, как в опере есть увертюра, момент, чтобы зритель из повседневности перешел в трансцендентное — здесь также. Прежде, чем начать работать, нужно подойти к этому моменту, погрузиться в самого себя. За месяц ты этого совсем не успеваешь сделать. И было бы здорово, чтобы была возможность нащупать абсолютно новый язык, развернуть его во времени и пространстве. Понять, куда тебе дальше двигаться как художнику.
Думаю, в нашей стране это особенно важно. Потому что в какое бы время ты не жил, ты все равно попадаешь в перемену эпох и Апокалипсис.

О планах на будущее:

У меня есть несколько грандиозных идей, которые пока не воплотились в жизнь из-за коронавируса, но начинают разворачиваться сейчас. Поставить балет, где будут танцевать исключительно современные композиторы. Желающих уже очень много. Поставить вместе с Ангелиной Рудь и Мартином Бакером оперу в психиатрической больнице в Париже. Открыть новую площадку «Сакральный коридор» на Ленфильме. Набрать одиннадцать черных котов и певцов для нового балета в Перми. Еще в листе ожиданий — современный балет «Трагедия в стиле рок» на музыку Сергея Курехина, кажется, сейчас самое верное время для его реализации.

AMOROSO CON ANIMA

© ЧУК «Этерна»

До встречи в новом концертном сезоне!

Команда Программы заботы о друзьях musicAeterna →